Composición de la
imagen de video
EL
COLOR
A. INTRODUCCIÓN
El color no es intrínseco a la luz sino que constituye una
percepción visual estimulada por la luz. El color de la luz con longitudes de
onda mezcladas puede ser descrito como la temperatura de un objeto negro
estándar resplandeciente.
La luz se desplaza o irradia en todas las direcciones a partir de
su origen. Por eso según la distancia se percibe con mayor o menor energía
luminosa, es lo que denominamos luminosidad.
Cuando la luz se desplaza por un medio constante puede llegar a la
superficie de algún objeto. En este punto puede ser:
Reflejada: la superficie de la mayoría de los objetos reflejan o
"rebotan" la luz.
Absorbida: si el objeto es opaco, la luz no reflejada por su
superficie resulta absorbida por aquél y desaparece. La energía se convierte en
calor en el interior del objeto.
Transmitida: si el objeto es transparente, parte de la luz
continúa su desplazamiento a través del objeto.
La energía total de la luz que llega a un objeto (luz incidente)
debe equivaler a la suma de la energía de la luz reflejada, absorbida y
transmitida.
1.2.- EL OJO
HUMANO, VISIÓN DE LOS COLORES
De todos los sentidos que tiene el hombre, el
ojo es el que
proporciona mayor información: distancia, forma, color, relieve, dimensiones,
etc...
1.3.-
CARACTERÍSTICAS DEL COLOR
La sensación visual que resulta cuando un flujo radiante incide
sobre la retina del ojo tiene tres características: matiz o tono, saturación y
brillo.
Matiz: se refiere a aquella característica que permite clasificar
a un color como rojo, verde, azul, etc... Un gris neutro no tiene matiz.
Saturación: el grado por el cual un color se separa del gris
neutro para aproximarse a un color puro del espectro.
Brillo: es la característica de cualquier sensación de color que
permite clasificarla como equivalente a la sensación producida por un elemento
de una escala gradual y sucesiva de grises neutros.
1.4.-
TEMPERATURA DE COLOR
Toda fuente luminosa tiene una cierta dominante de color. Una
lámpara con filamento de tungsteno, por ejemplo, emite una luz amarillenta, mientras que la procedente del
cielo nuboso es muy azul.
Para describir el color de la luz se utiliza una escala de
temperaturas de color que se expresan en grados Kelvin. La luz natural del Medio
Día tiene 5.500 grados Kelvin; esto significa que un "cuerpo negro" teórico
habría de calentarse a 5.500º K para que emitiese una luz del mismo color.
1.5.-
FILTROS
Dos tipos de filtros vamos
se utilizan para el tratamiento del
color: los de corrección y los de conversión.
Filtros de conversión: estos filtros se utilizan para transformar
la temperatura del color.
Filtros de corrección: estos son más suaves, sirven para
contrarrestar las diferencias de temperatura del color.
LA CÁMARA
3.1.-
PARTES DE LA CÁMARA DE VIDEO
Está compuesta por dos elementos:
a) Sección óptica: donde se encuentra un complejo sistema de
lentes para captar la imagen. Pueden ser:
1.- Lentes fijas. Tienen una distancia focal fija. La distancia
focal es la distancia del extremo del objetivo a la película.
2.- Zoom. Tiene una distancia focal variable, dependiendo de la
máxima y mínima distancia focal.
b)
Sección electrónica: en ella se encuentran los tubos de cámara y componentes electrónicos encargados de realizar la generación, que consiste en
transformar la información óptica en imagen electrónica.
La fotoelectricidad es una propiedad de la cual se valen los tubos
de cámara para realizar la función transductora, es decir,
la transformación de un tipo de energía en otra, de la luz en una corriente
eléctrica proporcional a la intensidad incidente en el transductor
luz/corriente.
Funcionamiento: la luz reflejada por un sujeto u objeto es
recogida por el sistema de lentes de la cámara y enfocada sobre una placa o
mosaico (target), elemento sensible a la luz.
Cuando
la luz incide sobre el mosaico cargado eléctricamente, origina
una reacción eléctrica en función de la intensidad de la luz.
El target o mosaico está compuesto por pequeños puntos que serán
leídos o explorados.
El haz
de electrones emitidos por el cañón lee, es decir, explora
la información eléctrica presente punto por punto y línea por línea en el lado
interno del mosaico.
El chip electrónico realiza la misma operación. Utiliza miles de
sensores internos que convierten la luz en electricidad. La diferencia es que el
chip es digital y los tubos de cámara son analógicos.
3.2.-
ELEMENTOS EXTERNOS
Elementos de una cámara y sus funciones.
A.
OBJETIVO
1.- Anillo de enfoque
2.- Anillo de distancia focal
3.- Anillo de diafragma y macro
4.- Selección de diafragma automático o manual
5.- Selección de zoom manual o automático
6.- Botón de grabación (REC)
B.
CUERPO
7.- Rueda de selección de filtros
8.- Balance de blancos
9.- Ganancia
10.- Fade
11.- Visor
12.- Botones de ajuste del visor
13.- Salida a VTR
14.- Gen-Lock
15.- Salida de vídeo (BNC)
16.- Salida para auriculares
17.- Entrada para micrófonos
18.- Intercom
19.- Barras
20.- Encendido
(ON/OFF)
1.- El enfoque se mide por metros y por pies, dependiendo de la
distancia focal, comienza desde una distancia mínima hasta el infinito.
2.- La distancia focal se suele medir en grados y en milímetros.
La mayoría de las cámaras van provistas de objetivos con distancia focal
variable (zoom).
3.- El
diafragma se mide en números "f" y corresponde a la abertura. Cada uno de estos
están marcados dentro de una serie normalizada:
f: 1.4 , 2 , 2.8 , 4 , 5.6 , 8 , 11 , 16 , 22 .
La diferencia de luz de cada número con el siguiente es de la
mitad.
4.- Mediante una palanca podemos seleccionar el tipo de diafragma.
Si es automático la cámara tendrá suficiente capacidad como para responder a las
diferentes intensidades luminosas. Si es manual se deberá seleccionar
cada diafragma para cada una de las intensidades luminosas.
5.- Igualmente ocurre con el zoom,
se puede seleccionar la
modalidad automática o manual. El zoom manual suele ser menos fino que el
automático. Este suele tener varias velocidades en un movimiento constante.
6.- Este botón se suele colocar cerca de la empuñadura para mayor
comodidad. Cuando se acciona este botón la cámara comienza a grabar (VTR).
7.- Con esta rueda
se selecciona el filtro que se va a utilizar
dependiendo de la luz. Viene expresada en grados Kelvin. Los filtros más
utilizados son:
- 3.200º K - Luces de tungsteno
- 5.600º K - Exteriores
- 5.500º K - Lámparas
o tubos fluorescentes
8.- Después de seleccionar el filtro idóneo, es necesario
compensar y equilibrar las variaciones de temperatura de color, esta operación
se denomina
"balance de blancos". Esto se logra enfocando sobre una superficie blanca.
9.- Ganancia. Aumenta la capacidad de la cámara mediante un
sistema electrónico que amplifica la señal de vídeo (pero también el ruido).
Este control se utiliza en situaciones de poca luminosidad.
10.- El fade
se utiliza para crear fundidos, por lo general en negro. No hay que confundirlo
con el fundido que puede crear al cerrar el
diafragma, pues este es manual y el primero electrónico.
11.-
El visor que funciona como un monitor monocromático o de color de TV. de
dimensiones reducidas. Este pequeño monitor es la única referencia de
igualación. Los hay de estudio de mayor tamaño y resolución.
12.- Estos mandos son los de un monitor normal en
monocromático, por lo
tanto sólo tendrán brillo y contraste. El ajuste del visor no interfiere la
calidad de la imagen de grabación.
13.- Este cable es el cordón umbilical de la cámara. Por aquí
pasan todas las funciones tanto de señal de vídeo, audio como los controles de
la misma. Este cable se conecta con el magnetoscopio para la grabación. También
se puede conectar con una C.C.U. (Unidad de Control de Cámara) para trabajar en
estudio unida con otras cámaras.
14.- Mediante esta entrada
se adaptan los sincronismos de la cámara con
los de otra fuente patrón.
15.- BNC OUT
es una salida normalizada que se utiliza aparte para dar la imagen que la cámara
está recogiendo, por ejemplo a un monitor o a una videograbadora.
16.- A través de la salida de auriculares
se puede tener una
referencia de la calidad de la grabación sonora.
17.- En esta entrada
se conecta un micrófono.
18.- A través de este sistema
el operador de cámara puede intercomunicarse con todo
el equipo de producción.
19.- Con la señal de barras
se controla la calidad de la señal
de cámara
20.- Con este botón
se puede revisar la grabación efectuada
21.- POWER: en la posición ON la cámara se pone en funcionamiento,
en OFF deja de funcionar.
3.3.-
RECOMENDACIONES DE USO
1.- No exponer directamente el objetivo de la cámara a un foco de
luz
2.- Mantener cerrada la tapa del objetivo cuando no se
utilice.
3.- No
introducir ningún elemento aparte de la cinta por la tapa de la videograbadora.
4.- Asegurarse de que la cámara esté fija en el trípode.
5.- Asegurarse el perfecto estado de las baterías. Cuando se
termine de grabar, extraer la batería de la cámara.
6.- Antes de grabar cerciorarse de que el filtro es el indicado
para hacer el balance de blancos.
7.- No exponer la cámara directamente al sol.
8.- Comprobar a través del visor que la cámara está grabando.
9.- No abusar del zoom automático, las baterías se consumirán
antes de lo esperado.
PRINCIPIOS DE
ENFOQUE
A.- INTRODUCCION
Cuando
se enfoca un objeto o personaje se lo destaca, es
decir, el enfoque ayuda a concentrar la atención. Pero además, la profundidad de
la zona que se ha destacado nítidamente es variable, es lo que
se denomina profundidad de campo.
4.1.-
PRINCIPIOS DE ENFOQUE
El objetivo de la cámara sólo puede enfocarse de forma precisa con
relación a una distancia concreta en un momento dado. A medida que se mueve el
objeto enfocado o la cámara, se debe ajustar el enfoque nuevamente.
Si, por ejemplo,
se enfoca una flor y se resalta
nítidamente los estambres pero se deja desenfocado otras partes de la flor, a
esto se le llama enfoque diferencial. De forma alternativa se puede ajustar el
objetivo de modo que todas las partes que abarca queden enfocadas desde la
primera rama, pasando por la flor en cuestión y finalmente el horizonte (esta
técnica se denomina enfoque profundo.
4.2.-
DEFINICIÓN
DE PROFUNDIDAD DE CAMPO
Si se
enfoca la cámara sobre un sujeto, los objetos situados a una distancia más próxima
y más alejada respectivamente, todavía aparecen definidos con la mayor
precisión. Esta zona de reproducción nítida se conoce como profundidad de campo.
Una vez superados estos límites la definición del sujeto decae
apreciablemente.
4.3.-
FACTORES QUE AFECTAN LA PROFUNDIDAD DE CAMPO
La profundidad de campo presente en una imagen viene afectada por
la abertura del objetivo, la distancia enfocada y la longitud focal del
objetivo.
Conforme
se cierra la abertura del diafragma se obtiene una mayor
profundidad de campo.
En la medida que
se mantenga el enfoque sobre un sujeto más
próximo a la cámara, la profundidad de campo adopta una magnitud
correspondientemente inferior.
A medida que aumenta la longitud focal del objetivo (reduciendo su
ángulo de visión) la dimensión de la imagen aumenta, pero la profundidad de
campo relativa disminuye.
ANGULACIÓN, PERSPECTIVA Y DISTORSIÓN
A.- INTRODUCCIÓN
Todas
las imágenes televisivas poseen una forma rectangular normalizada. Cada toma
muestra una parte del escenario ante la cámara, en cuatro tercios (la proporción del ángulo horizontal y el vertical).
Se puede utilizar un objetivo con una angulación fija, pero si
se quiere
efectuar tomas más cercanas del sujeto se debería acercar la cámara, lo cual
crea una serie de inconvenientes, por ejemplo en la realización de un
programa.
Para evitar esto,
se utilizan objetivos con diferentes angulaciones o un sólo objetivo que sea capaz de adaptarse a las diferentes angulaciones: son
los llamados objetivos de distancia focal variable o zoom.
5.1.-
TIPOS DE OBJETIVOS
5.1.1.- EL OBJETIVO NORMAL
Un objetivo normal es simplemente el que tiene una angulación
normal, es decir, aproximada a la del espectador que observa la pantalla del
receptor. Suele oscilar entre los 35 mm y 50 mm de distancia focal. Tienden a ser
excesivamente sensibles a las tomas realizadas manualmente sin apoyar la cámara,
ya que se producen vibraciones en la imagen y velocidades de desplazamiento
inesperadas con demasiada frecuencia.
5.1.2.- EL TELEOBJETIVO
Abarca
un segmento restringido de la escena y con el mismo llena toda la pantalla. Pero
debido a esta ampliación de la imagen, las cámaras que emplean teleobjetivos no
son de fácil manejo. Conforme aumenta la distancia
focal disminuye la profundidad de campo, por lo tanto, es muy difícil mantener
enfocado a un sujeto en movimiento con un teleobjetivo. Otro inconveniente es la
extremada sensibilidad, un ligero movimiento de cámara se traducirá en un
considerable desplazamiento en la imagen.
5.1.3.- EL GRAN ANGULAR
Estos objetivos son de distancias focales muy cortas (28 mm, son
en principio, objetivos de mayor operatividad. La superior profundidad de campo
facilita el enfoque. Los sujetos en movimiento son mucho menos susceptibles a
vibraciones.
5.2.-
PERSPECTIVA Y DISTORSIÓN
A medida que la angulación del objetivo se hace más pequeña, la
perspectiva visual se hace más "plana", la distancia y la profundidad se
comprimen. Los objetos distantes tienen una apariencia desproporcionadamente
grande. Si la angulación se hace más amplia (menor distancia focal) el efecto es
de una exagerada profundidad. Los sujetos distantes tienen una apariencia más
pequeña de lo normal.
Efectos: puede interesar conseguir un efecto de compresión o
de apelotonamiento: agrupar sujetos distantes y próximos, reducir la impresión
de profundidad, etc. para ello se utiliza el teleobjetivo.
Para exagerar la profundidad de una
habitación, las distancias entre los objetos, dar sensación de amplitud, se
puede utilizar el objetivo gran angular.
5.3.-
OBJETIVO ZOOM. POSIBILIDADES. INCONVENIENTES
La
mayoría de las cámaras vienen provistas de un objetivo de
distancia focal variable o zoom.
El objetivo zoom es un complejo sistema óptico que suministra un
ángulo de visión continuamente variable.
En un extremo el zoom se comporta como teleobjetivo y en el otro
como gran angular. Pero entre estos dos, el objetivo puede pararse en cualquier
angulación intermedia.
Cuando
se cambia de gran angular a angulaciones progresivamente
más estrechas, lo que se hace es agrandar una porción pequeña de la imagen. Un
dilema corriente que se presenta con el objetivo zoom es el de mantener un
enfoque nítido. Para ello se enfoca el punto más lejano que se quiere tomar,
se vuelve hacia atrás con el zoom y se dispondrá de este enfoque desde gran angular
hasta tele, pero sólo se dispondrá de este enfoque cuando la cámara se mantenga
en la misma posición.
No hay que confundir el travelling con el zoom. El zoom ofrece una
falsa perspectiva creando una sensación de aplastamiento, por contra el
travelling que produce ilusión de profundidad y volumen.
COMPOSICIÓN DE
LA IMAGEN
A.- INTRODUCCIÓN
La pantalla de televisión, de la misma forma que el fotograma o
los bordes de cualquier imagen, aísla parte del escenario ante la cámara y
concentra la atención. Un buen operador de cámara debe tener esto siempre presente.
Al componer tomas de personas rápidamente,
hay que ser conscientes del
"margen espacial", esto es, el espacio comprendido entre la cabeza del sujeto y
el borde superior de la pantalla.
¿Por qué un plano bien compuesto?. La respuesta está en que una
vez encuadrada una escena, la disposición de los objetos adquiere una
importancia fundamental. Siempre existe un punto de interés en cada imagen.
B.-
ELEMENTOS VISUALES DE UNA ESCENA
MASA: En televisión, los detalles no se aprecian ni en los planos
generales ni en los primeros planos. Sin embargo los elementos deben crear un
orden, con el objetivo de crear una imagen atractiva y equilibrada; así mismo el
centro de interés debe aparecer bien definido, si se encuadran actores y objetos
de forma simétrica, la imagen resulta rara vez satisfactoria. El efecto es
demasiado formal.
El centro geométrico de la imagen no es necesariamente el mejor
lugar para situar el centro de interés. Sin embargo, si se divide la imagen en
tercios en sentido horizontal y vertical, los puntos de intersección de estas
líneas serán las zonas más apropiadas para situar los puntos de interés.
MOVIMIENTO: El movimiento que se desarrolla en una escena está en
relación directa con el tema de la línea, por lo que se refiere a la
composición. El medio más dramático de llamar la atención sobre cualquier objeto
es, aparte del sonido, el movimiento dentro de la escena.
Existen dos formas de realzar el movimiento en la escena:
Contrastar el movimiento y Destacar el objeto principal sobre los demás.
TONO:
En las imágenes monocromáticas los diversos colores de
una escena se reproducen en gamas tonales de un mismo color gris, desde el
blanco hasta el negro. La disposición en la imagen de tales tonalidades forma
parte de la composición.
El centro de interés debe situarse en la zona más clara
de la imagen. Evitar que se produzcan zonas más luminosas en los vértices del
encuadre. Si se concentran los tonos más oscuros en el extremo inferior, el objeto
principal destacará con más naturalidad.
PROFUNDIDAD: La sensación de volumen, espacio y profundidad se
alcanzan disponiendo los elementos de una escena de tal forma que proporcione
mayor longitud espacial a una imagen de dos
dimensiones.
El operador de cámara deberá
estar familiarizado con estos aspectos
básicos de la perspectiva, también de la posición y altura de la cámara y el
objetivo a emplear para cada plano.
TÉCNICA DEL
ENCUADRE
A.- INTRODUCCIÓN
Lo que
unos llaman primer plano, otros lo denominan plano medio o corto. Tales
divergencias no son esenciales aunque lo parezca, ya que el producto resultante
es siempre el mismo. Existen una escala de planos estandarizada y aceptada que
es preciso conocer y dominar.
1.- ENCUADRE DE PERSONAS: La mayoría de las tomas que un operador
de cámara debe hacer incluyen personas, por lo tanto, el operador de cámara debe tener en
cuenta el encuadre correcto del actor, incluyendo las limitaciones técnicas y
operativas.
2.- SITUACIÓN DE LOS OJOS: Los ojos son rasgos esenciales en el
ser humano. Al margen de que deben mantenerse siempre enfocados, su posición en
el encuadre está directamente relacionada con el margen de espacio superior
permitido. Nunca se debe encuadrar los ojos en la mitad de la imagen, tampoco
más altos que la línea de los dos tercios de altura del encuadre.
Normalmente los ojos deben aparecer dentro de los límites de esta
franja en todo tipo de plano, incluidos los largos.
Puede decirse que existe una excepción, en el caso de los planos
generales, aunque en realidad, en el momento que se vean los pies de un
personaje, los ojos en el encuadre dejan de ser importantes.
(G.P.P.) Gran Primer Plano. Se emplea cuando los rasgos o la
expresión del objeto son importantes desde el punto de vista dramático y
se desea mantener la atención del espectador sobre ellos exclusivamente. En este
plano se excluye la parte superior de la cabeza. Para que se aprecie el efecto
del G.P.P. el espectador debe ver el rasgo de la boca.
(P.P.) Primer Plano. Es en el que la parte superior de la cabeza
queda muy próximo al límite superior del encuadre, y la parte inferior del
encuadre esta aproximadamente a la altura del cuello del actor. Evita que
el límite inferior del encuadre suprima parte del cuello. La cabeza debe tener
un punto de apoyo.
(P.M.C.) Plano Medio Corto. Con los ojos situados en la franja
imaginaria, el margen de espacio superior es algo mayor que la toma anterior.
Como referencia la línea inferior del encuadre pasará por debajo del bolsillo
del pecho del actor.
(P.M.) Plano Medio. En este plano el extremo inferior del encuadre
corta al actor puesto de pie aproximadamente a la altura de la cintura, y si
está sentado, a la altura de los brazos de una silla de tamaño normal. Este
plano es muy utilizado en televisión y sobre todo en entrevistas.
(P.M.L.) Plano Medio Largo. A veces recibe la denominación de
"plano tres cuartos". La parte inferior del encuadre cruza aproximadamente a la
altura de las rodillas del actor.
(P.G.) Plano General. En este plano se incluye todo el cuerpo del
actor. El margen superior debe ser mayor que el inferior, puesto que si son
iguales da la impresión de estar suspendido en el aire. Si se concede mayor
margen inferior resulta desequilibrado. Hay excepciones como por ejemplo un
actor subido sobre un objeto, etc.
(P.G.L.) Plano General Largo. En este plano la posición del actor
en relación con el encuadre depende en gran medida de los restantes elementos de
la escena y de la altura de la cámara. Estos planos brindan la oportunidad de
poner en práctica los principios básicos de composición. Cuanto más general
mayor número de elementos de la escena engloban.
Plano de dos personas. El plano más vulgar es el que encuadra a
dos actores que están hombro a hombro y de frente a la cámara. Pero esto ocurre
raras veces, lo normal es que se miren uno al otro. Si en lugar de situarse
frontalmente los actores, se los coloca ligeramente ladeados, dando preferencia
a uno de ellos, se obtendrá una mejor composición. Si en un principio se ha dado
preferencia al actor A, en el siguiente plano, cuando intervenga el actor B,
se tomará el rostro de este y el hombro de A. Cuando dos cámaras realizan,
simultáneamente, tomas de dos, por encima del hombro, es imprescindible que los
planos obtenidos sean idénticos, y desde el mismo ángulo. También se debe tener
presente las normas relativas a la triangulación o intersección de tercios, y
evitar las composiciones simétricas.
Espacio de
referencia.
Se denomina
espacio de referencia al margen de espacio entre los ojos del actor y el extremo
del encuadre hacia el que dirige la mirada el actor.
Es difícil hacer una medida válida para todos. Pero en general
se puede decir que cuando la línea central del encuadre corre a través de la
nariz del actor y cerca del ojo, garantizará un buen resultado.
MOVIMIENTOS DE
CÁMARA
MOVIMIENTOS DE ROTACIÓN
Son los producidos al rotar la cámara sobre el eje vertical donde
se sustenta. Estos movimientos pueden ser:
A.- Rotación horizontal o panorámica.
B.- Rotación vertical o basculamiento.
C.- Rotación en
diagonal
D.- Movimiento de balanceo.
A.- Panorámica: Se puede comparar con la impresión de mirar
alrededor; da una visión espacial con diferentes ángulos. Desde el punto de
vista narrativo, la panorámica puede ser: de seguimiento (seguir a un sujeto que
se mueve en la escena), dramática (presentación de los diferentes elementos de
la acción), subjetiva (el movimiento panorámico corresponde al punto de vista
del personaje).
Este movimiento debe realizarse suavemente, sin movimientos
bruscos, empezando y acabando en un plano fijo. Existe un tipo de panorámica
brusca que borra toda la imagen intermedia y que se denomina barrido.
B.- Basculamiento: Es un movimiento en el plano vertical, se
utiliza para relacionar dos áreas separadas en este plano, también para acentuar
alturas. Otra utilización del basculamiento es la de describir a un personaje
produciendo gradualmente un efecto de intriga.
MOVIMIENTOS DE TRASLACIÓN
Son los producidos por la misma cámara al moverse al desplazarse
su eje.
A.- Travelling: Es un movimiento de desplazamiento, en
avance, en retroceso, lateral, circular, etc, dirigido hacia un objeto o
personaje. Este tipo de movimientos producen un resultado expresivo importante,
aumentan la sensación de profundidad y volumen de la escena.
RODAJE
DE UN DIALOGO
Un
diálogo plantea el problema del cruce de ejes en su forma más sencilla, por lo
que es una buena ilustración de los problemas que plantearán situaciones
similares como por ejemplo en la entrevista.
Un diálogo puede rodarse desde una sola posición o desde varias.
Puede diferenciarse en el rodaje del diálogo algunos planos importantes:
- Plano Master: el plano de los dos personajes del cual
se parte y
al que se recurre, porque es el que da una visión completa de la acción.
- Plano/Contraplano: planos que se intercalan según intervenga uno
u otro personaje en el diálogo.
- Plano Subjetivo: plano invertido. Cuando habla el personaje A,
la cámara se sitúa desde el punto de vista del personaje B (la cámara es el
personaje B).
Aspectos importantes que
se deben tener en cuenta:
- Continuidad en el eje de miradas: Al filmar un diálogo, las
posiciones de los participantes deben estar bien claras para el espectador.
- Manipulación de la imagen: dependiendo de la angulación que
se encarga para cada uno de los personajes. El tamaño diferencial de los planos
determinará la interpretación de la escena por parte de la audiencia.
- Conversaciones telefónicas: la forma de rodar una escena en la
que dos personajes hablan por teléfono, es filmar a cada uno de ellos por
separado. Para crear la ilusión de que una persona habla a la otra.
CREACIÓN DE UNA SECUENCIA
Cualquier película cuenta una historia. Sea cual sea el
tratamiento que se le dé. Las tomas que componen la película se montan en una
secuencia fija, y una secuencia es algo que el espectador interpretará como una
narración. Si se considera a los planos básicos (primer plano, plano medio,
etc.) como el vocabulario, se puede afirmar que el hecho de unirlos creando una
historia coherente es la gramática.
Rodaje de una narración sencilla.
Se ruede lo que
se ruede, el trabajo será siempre el mismo, grabar
los diferentes planos que posteriormente puedan editarse (vídeo) en una
secuencia de acción ininterrumpida.
Puntos que
se deben tener en cuenta:
El tamaño de los sujetos, su posición en el cuadro, la dirección
del eje de mirada y de sus movimientos y la continuidad de la acción.
Tamaño de los planos
Si se
comienza con una secuencia, por ejemplo en plano general, y
se pasa a otro plano, es crucial que la diferencia de tamaños entre ellos sea
la adecuada, ya que en caso contrario sería poco claro o confuso. Lo normal es
utilizar un plano medio entre uno general y un primer plano.
Posición en el cuadro
Al cortar de un plano a otro el sujeto debe ocupar en el cuadro la
misma posición. Si está a la izquierda en el plano general, deberá ocupar el
mismo lugar en el plano medio.
La dirección de un eje de mirada y de su movimiento
Uno de
los mayores problemas de la realización audiovisual, es el mantenimiento de una
geografía clara mientras se cambia la posición de la cámara entre dos planos. Es
muy fácil yuxtaponer dos tomas en las que la misma persona parece mirar o
moverse en direcciones contrarias. Para evitar esto se ha establecido una
conversión conocida como eje: una línea imaginaria formada en parte por la de la
mirada, en parte por la dirección del movimiento y en parte por la línea de
interés que se establece entre dos o más sujetos. Dicho eje nunca se lo debe saltar entre dos planos consecutivos.
Salto de eje.
Sería agobiante que una vez elegido el eje
se tuviera que seguir
hasta el final.
Formas de saltar el eje:
1.- Por el eje: Si la cámara se sitúa exactamente en el eje el
plano tomado desde éste sirve como transición entre los tomados a cada uno de
los lados.
2.- Aprovechamiento de un giro: si el sujeto cambia de dirección,
también el eje. Si se sitúa la cámara desde un punto donde se vea claramente el
cambio de dirección, el nuevo eje quedará perfectamente establecido.
3.- Travelling sobre el eje: la cámara se desplaza a lo largo del
eje mientras el sujeto se acerca, estableciendo claramente el cambio de
dirección en un sólo plano.
4.- Utilización de un elemento intermedio: si
se desea cambiar de
eje en una secuencia que, en donde por ejemplo, un personaje está entrando en
una casa, se puede utilizar un elemento de transición (pomo de la puerta) para
cambiar de eje.
Continuidad en la acción.
La regla básica de la continuidad es que la acción de un plano
debe enlazar con la del siguiente. Por ejemplo, si se corta de un plano general
de un personaje corriendo, a un plano medio tomado desde una posición diferente,
es preciso que se vea al personaje correr por el mismo camino, en la misma
dirección, a la misma velocidad, llevando la misma ropa y con la misma
iluminación. En caso contrario el espectador se verá confundido y la continuidad
se habrá roto.
Continuidad en sonido e imagen.
La continuidad visual depende ante todo de una calidad constante
de luz. Pero cuando se rueda en exteriores son inevitables las variaciones de
luz (temperatura de color). Igualmente ocurre con el audio, es necesario
mantener un nivel fijo para que el volumen sonoro sea el mismo en toda la
secuencia.
Fallos más comunes de montaje.
1.- Salto de eje en la dirección: en el primer plano aparece un
personaje que camina de derecha a izquierda y el segundo de izquierda a derecha,
esto es, ha cambiado inexplicablemente la dirección.
2.- Doble acción: cuando se montan planos de la misma acción
rodada desde diferentes ángulos de
cámara.
3.- Cambio de ángulo: cualquier cambio en el ángulo de la cámara
debe ser lo suficientemente grande como para que se note, pero no tanto que
desconcierte al espectador.
4.- Eje de miradas incompatible: por ejemplo cuando
se esta
rodando una conversación, al cortar a primeros planos hay que asegurar que cada
personaje mira en la dirección correcta.
5.- Planos de recurso incorrectos: un plano recurso debe estar
directamente relacionado con la acción. Con frecuencia se utiliza para disimular
fallos de continuidad.
6.- Continuidad: los fallos de continuidad son probablemente los
errores más frecuentes. Hay que tener en cuenta que cuando se unen dos planos,
deben mantenerse la continuidad no sólo de aspecto (vestido, color, tiempo, etc.)
sino también de acción, ritmo y sonido.
LA EDICIÓN
A. INTRODUCCIÓN.
El
montaje en cine se realiza por corte físico de la propia película (puede ser
visto lo que ha quedado impreso en el fotograma), en
vídeo, el montaje de la imagen registrada magnéticamente se produce con otros
condicionantes por medio de un proceso denominado EDICIÓN.
1.
EDICIÓN ELECTRÓNICA.
Un equipo de edición básico requiere la utilización de dos
videograbadoras: uno que asuma la tarea de reproducir las tomas grabadas, y otro
que grabe estas tomas según la ordenación que se plantean.
Para un trabajo bien preciso es necesaria la utilización de un
elemento que actúe sobre los sistemas mecánicos y operacionales de las
videograbadoras: la consola de control.
Las tareas básicas de esta consola de control se pueden resumir
en: localización del punto exacto donde empieza y acaba el plano que se quiere
montar (videograbadora reproductor), localización del punto en el que se quiere
que comience a grabar ese plano (videograbadora grabador). Las dos
videograbadoras deben estár sincronizadas para que cuando llegue el punto exacto de
grabación comience a editar.
2.-
TIPOS DE EDICIÓN.
Dentro de la edición electrónica existen dos variantes
fundamentales:
1. Asemble
2. Inserto
Estas dos variantes de edición son radicalmente distintos.
1.- Asemble:
Se unen diferentes fragmentos de una o varias cintas
para constituir una sola cinta común. Por ejemplo, si se quiere realizar un
documental sobre la ciudad Autónoma de Buenos Aires se pueden plantear las siguientes tomas:
- ciudad
-
Avenida Corrientes con el Obelisco
-
entrevista con el Jefe de Gobierno
Entonces puede plantearse de la siguiente forma: primero la ciudad, segundo la
entrevista y tercero las imágenes de la actividad en la Avenida Corrientes y el
Obelisco.
En esta modalidad
se graba audio y vídeo automáticamente, no
se puede separar.
2.- Inserto:
se intercala sobre una cinta, previamente ya grabada,
material tanto en audio como en vídeo. Por ejemplo, en el caso anterior,
se podría ofrecer un plano de la entrevista e insertar dentro de ella planos de
la ciudad y de la Avenida, manteniendo el audio de la entrevista.
TRANSICIONES
A. INTRODUCCIÓN.
Al
igual que en la literatura se utilizan los signos de puntuación, en el lenguaje
visual también. Es el medio para pasar de un
plano a otro, o de una secuencia a otra. Sería muy difícil crear una narración
visual sin estos signos. La mayor parte de las transiciones proceden de formas
teatrales, puesto que en un principio el cine imitó la técnica del teatro.
Cortinilla: el telón del teatro.
Fundido: apagar las luces.
1.
EL CORTE.
El corte es la transición más simple. Es dinámico y asocia
instantáneamente dos situaciones. El cambio rápido tiene impacto de potencia en
el espectador, mayor que el gradual y aquí radica la fuerza expresiva del
corte.
El corte, como todo tratamiento de realización, deberá estar
motivado. Los que no lo están, interrumpen la continuidad y pueden crear falsas
relaciones entre planos. Los cortes son saltos del punto de vista del lugar, que
obligan al espectador a relocalizar o interpretar cada imagen.
El
momento apropiado para realizar un corte es cuando se produce una acción o
reacción. Por ejemplo cuando un personaje vuelve la cabeza en una expresión de
asombro, o cuando el sujeto inicia la acción de levantarse, etc.
2.
EL FUNDIDO
Se puede diferenciar dos tipos de fundidos: el de entrada/salida,
el de salida/entrada.
El fundido de entrada o apertura, da una introducción tranquila a
la acción. Un fundido de entrada lento sugiere la formación de una idea. Uno
rápido, un poco menos de vitalidad e impacto en el corte.
El fundido de salida o cierre, tiene menos énfasis y "suspensa"
que el corte de salida. Un fundido de salida es un cese de la acción
tranquilo.
El fundido de salida/entrada se realiza cuando
se enlazan dos
secuencias introduciendo el concepto de pausa en el paso de la acción. Se puede
usar esta transición para conectar secuencias cuando se implique un cambio de
tiempo o lugar. Entre dos escenas en movimiento rápido, puede servir como pausa
momentánea, enfatizando la actividad del segundo plano.
3.
EL ENCADENADO.
El encadenado se produce al atenuar una imagen mezclándola a su
vez con otra imagen que entra. Las dos imágenes permanecen momentáneamente
superpuestas, la primera desaparece gradualmente a la vez que es reemplazada por
la segunda.
El encadenado entre planos da una transición suave con un mínimo
de ruptura del fluir visual.
Un encadenado rápido, generalmente, implica que su acción es
concurrente (acciones paralelas). Un encadenado lento sugiere diferencias de
tiempo o lugar. Los encadenados en movimiento sólo son satisfactorios cuando las
direcciones del movimiento relativo son similares. Las mezclas de direcciones
opuestas pueden producir sensación de confusión.
4.
LA CORTINILLA.
La cortinilla es un efecto visual, principalmente utilizado para
transiciones decorativas. Su impacto visual tiende a disfrazar los bordes de
fragmentos no relacionados.
El efecto de la cortinilla es descubrir, revelar, cancelar,
fragmentar, etc, según se aplique. En todas sus formas resalta la naturaleza
plana de la pantalla, destruyendo cualquier sensación tridimensional.
5.
LA SUPERPOSICIÓN.
En cinematografía, la superposición necesita exponer cada cuadro
dos o más veces en la cámara (doble exposición), aunque, comúnmente, esto se
consigue en el laboratorio.
En vídeo, la superposición, simplemente, consiste en fundir dos o
más imágenes simultáneamente.
Debido a que el brillo de las imágenes superpuestas se suma, las
áreas luminosas de cualquier imagen, generalmente, rompen a través de los tonos
oscuros de la otra imagen superpuesta.
ILUMINACIÓN
A. INTRODUCCIÓN.
De nada sirve un buen decorado, una buena cámara o un gran guión, si
no se parte de una iluminación artística y cuando menos adecuada.
Se
debe comprender que para obtener un buen resultado en una
grabación es necesario controlar la iluminación.
Cualesquiera que sean los sujetos,
la iluminación,
generalmente, obedece a propósitos similares. Se tiene que resaltar las
características que sean apropiadas a las necesidades y quizás suprimir
otras. En términos generales, se ilumina para incrementar la visibilidad, la
claridad o los efectos creativos.
1.
OBJETIVOS DE LA ILUMINACIÓN.
El primer objetivo de la
iluminación es el de la visibilidad, pero la visibilidad por sí sola no es
suficiente, las imágenes deben persuadir y mantener la atención. Otro objetivo
importante es el de la claridad. El detalle en la imagen de vídeo está limitado.
Por eso se tiene que añadir ilusión para acercar al espectador al mundo real tridimensional
y de color.
Por último, la iluminación debe ser efectiva. Una iluminación
inapropiada puede evitar que el espectador vea la información que se desea que
vea.
2.
FACTORES QUE AFECTAN A LA ILUMINACIÓN.
El ojo
y el cerebro se ajustan de forma que el sujeto no se de cuenta de
los cambios de luz. La cámara, sin embargo, no repara en estas adaptaciones,
sino que graba parcialmente la imagen. Por ello, si la iluminación tiene ciertas
características, la cámara tiende a revelarlas.
Aspectos fundamentales de la iluminación:
- La calidad de la luz recorre una escala desde dura a suave. La
luz dura es muy direccional y genera sombras bien definidas (luz del sol). Las
fuentes de luz suave tienen un carácter difuminado, sin sombras.
- La dirección de la luz es muy importante, porque en último
término determina cómo se modelan el sujeto y la escena, y por consiguiente, lo
que se ve desde un ángulo de visión determinado de la cámara.
- La temperatura de color o "calidad de color" referido a la
iluminación es crítica en vídeo, varía mucho según el tipo de fuente de luz.
- La
influencia de la luz. Eligiendo un tipo de iluminación puede mostrar la textura, resaltarla o suprimirla.
La impresión de las
formas, las relaciones espaciales, los tamaños, se modifican según el
tratamiento de la luz.
3.
TIPOS DE PROYECTORES.
Fuentes de luz suave:
Estas unidades producen una iluminación difusa, sin sombras. Se
suele utilizar para proporcionar la luz base general, para luz de relleno y para
aplicaciones donde no interesan sombras. Las unidades típicas son: scoops,
broads y minibrutos.
Fuentes de luz concentrada:
Estas unidades de luz producen sombras duras y bien definidas,
crean el modelado y revelan la textura. Si este haz luminoso se lo concentra
mediante un sistema de lentes regulables, se denomina proyector de lente Fresnel.
4.
DISPOSICIÓN DE LA LUZ.
Dependiendo del emplazamiento de las fuentes luminosas
se obtendrá
un resultado u otro. Existen tres direcciones básicas:
- Luz frontal: normalmente, constituye la fuente de luz más
importante
- Luz lateral: generalmente realza el contorno y la textura,
añadiéndoles un fuerte relieve.
- contraluz: pone margen a los bordes y a la parte superior de los
sujetos; genera brillos a través de las superficies transparentes o traslúcidas.
|
|
