Composición de la imagen de video

EL COLOR

A. INTRODUCCIÓN

El color no es intrínseco a la luz sino que constituye una percepción visual estimulada por la luz. El color de la luz con longitudes de onda mezcladas puede ser descrito como la temperatura de un objeto negro estándar resplandeciente.

La luz se desplaza o irradia en todas las direcciones a partir de su origen. Por eso según la distancia se percibe con mayor o menor energía luminosa, es lo que denominamos luminosidad.

Cuando la luz se desplaza por un medio constante puede llegar a la superficie de algún objeto. En este punto puede ser:

Reflejada: la superficie de la mayoría de los objetos reflejan o "rebotan" la luz.

Absorbida: si el objeto es opaco, la luz no reflejada por su superficie resulta absorbida por aquél y desaparece. La energía se convierte en calor en el interior del objeto.

Transmitida: si el objeto es transparente, parte de la luz continúa su desplazamiento a través del objeto.

La energía total de la luz que llega a un objeto (luz incidente) debe equivaler a la suma de la energía de la luz reflejada, absorbida y transmitida.

1.2.- EL OJO HUMANO, VISIÓN DE LOS COLORES

De todos los sentidos que tiene el hombre, el ojo es el que proporciona mayor información: distancia, forma, color, relieve, dimensiones, etc...

1.3.- CARACTERÍSTICAS DEL COLOR

La sensación visual que resulta cuando un flujo radiante incide sobre la retina del ojo tiene tres características: matiz o tono, saturación y brillo.

Matiz: se refiere a aquella característica que permite clasificar a un color como rojo, verde, azul, etc... Un gris neutro no tiene matiz.

Saturación: el grado por el cual un color se separa del gris neutro para aproximarse a un color puro del espectro.

Brillo: es la característica de cualquier sensación de color que permite clasificarla como equivalente a la sensación producida por un elemento de una escala gradual y sucesiva de grises neutros.

1.4.- TEMPERATURA DE COLOR

Toda fuente luminosa tiene una cierta dominante de color. Una lámpara con filamento de tungsteno, por ejemplo, emite una luz amarillenta, mientras que la procedente del cielo nuboso es muy azul.

Para describir el color de la luz se utiliza una escala de temperaturas de color que se expresan en grados Kelvin. La luz natural del Medio Día tiene 5.500 grados Kelvin; esto significa que un "cuerpo negro" teórico habría de calentarse a 5.500º K para que emitiese una luz del mismo color.

1.5.- FILTROS

Dos tipos de filtros vamos se utilizan para el tratamiento del color: los de corrección y los de conversión.

Filtros de conversión: estos filtros se utilizan para transformar la temperatura del color.

Filtros de corrección: estos son más suaves, sirven para contrarrestar las diferencias de temperatura del color.

LA CÁMARA

3.1.- PARTES DE LA CÁMARA DE VIDEO

Está compuesta por dos elementos:

a) Sección óptica: donde se encuentra un complejo sistema de lentes para captar la imagen. Pueden ser:

1.- Lentes fijas. Tienen una distancia focal fija. La distancia focal es la distancia del extremo del objetivo a la película.

2.- Zoom. Tiene una distancia focal variable, dependiendo de la máxima y mínima distancia focal.

b) Sección electrónica: en ella se encuentran los tubos de cámara y componentes electrónicos encargados de realizar la generación, que consiste en transformar la información óptica en imagen electrónica.

La fotoelectricidad es una propiedad de la cual se valen los tubos de cámara para realizar la función transductora, es decir, la transformación de un tipo de energía en otra, de la luz en una corriente eléctrica proporcional a la intensidad incidente en el transductor luz/corriente.

Funcionamiento: la luz reflejada por un sujeto u objeto es recogida por el sistema de lentes de la cámara y enfocada sobre una placa o mosaico (target), elemento sensible a la luz.

Cuando la luz incide sobre el mosaico cargado eléctricamente, origina una reacción eléctrica en función de la intensidad de la luz.

El target o mosaico está compuesto por pequeños puntos que serán leídos o explorados.

El haz de electrones emitidos por el cañón lee, es decir, explora la información eléctrica presente punto por punto y línea por línea en el lado interno del mosaico.

El chip electrónico realiza la misma operación. Utiliza miles de sensores internos que convierten la luz en electricidad. La diferencia es que el chip es digital y los tubos de cámara son analógicos.

3.2.- ELEMENTOS EXTERNOS

Elementos de una cámara y sus funciones.

A. OBJETIVO

1.- Anillo de enfoque

2.- Anillo de distancia focal

3.- Anillo de diafragma y macro

4.- Selección de diafragma automático o manual

5.- Selección de zoom manual o automático

6.- Botón de grabación (REC)

B. CUERPO

7.- Rueda de selección de filtros

8.- Balance de blancos

9.- Ganancia

10.- Fade

11.- Visor

12.- Botones de ajuste del visor

13.- Salida a VTR

14.- Gen-Lock

15.- Salida de vídeo (BNC)

16.- Salida para auriculares

17.- Entrada para micrófonos

18.- Intercom

19.- Barras

20.- Encendido (ON/OFF)

1.- El enfoque se mide por metros y por pies, dependiendo de la distancia focal, comienza desde una distancia mínima hasta el infinito.

2.- La distancia focal se suele medir en grados y en milímetros. La mayoría de las cámaras van provistas de objetivos con distancia focal variable (zoom).

3.- El diafragma se mide en números "f" y corresponde a la abertura. Cada uno de estos están marcados dentro de una serie normalizada:

f: 1.4 , 2 , 2.8 , 4 , 5.6 , 8 , 11 , 16 , 22 .

La diferencia de luz de cada número con el siguiente es de la mitad.

4.- Mediante una palanca podemos seleccionar el tipo de diafragma. Si es automático la cámara tendrá suficiente capacidad como para responder a las diferentes intensidades luminosas. Si es manual se deberá seleccionar cada diafragma para cada una de las intensidades luminosas.

5.- Igualmente ocurre con el zoom, se puede seleccionar la modalidad automática o manual. El zoom manual suele ser menos fino que el automático. Este suele tener varias velocidades en un movimiento constante.

6.- Este botón se suele colocar cerca de la empuñadura para mayor comodidad. Cuando se acciona este botón la cámara comienza a grabar (VTR).

7.- Con esta rueda se selecciona el filtro que se va a utilizar dependiendo de la luz. Viene expresada en grados Kelvin. Los filtros más utilizados son:

- 3.200º K - Luces de tungsteno

- 5.600º K - Exteriores

- 5.500º K - Lámparas o tubos fluorescentes

8.- Después de seleccionar el filtro idóneo, es necesario compensar y equilibrar las variaciones de temperatura de color, esta operación se denomina "balance de blancos". Esto se logra enfocando sobre una superficie blanca.

9.- Ganancia. Aumenta la capacidad de la cámara mediante un sistema electrónico que amplifica la señal de vídeo (pero también el ruido). Este control se utiliza en situaciones de poca luminosidad.

10.- El fade se utiliza para crear fundidos, por lo general en negro. No hay que confundirlo con el fundido que puede crear al cerrar el diafragma, pues este es manual y el primero electrónico.

11.- El visor que funciona como un monitor monocromático o de color de TV. de dimensiones reducidas. Este pequeño monitor es la única referencia de igualación. Los hay de estudio de mayor tamaño y resolución.

12.- Estos mandos son los de un monitor normal en monocromático, por lo tanto sólo tendrán brillo y contraste. El ajuste del visor no interfiere la calidad de la imagen de grabación.

13.- Este cable es el cordón umbilical de la cámara. Por aquí pasan todas las funciones tanto de señal de vídeo, audio como los controles de la misma. Este cable se conecta con el magnetoscopio para la grabación. También se puede conectar con una C.C.U. (Unidad de Control de Cámara) para trabajar en estudio unida con otras cámaras.

14.- Mediante esta entrada se adaptan los sincronismos de la cámara con los de otra fuente patrón.

15.- BNC OUT es una salida normalizada que se utiliza aparte para dar la imagen que la cámara está recogiendo, por ejemplo a un monitor o a una videograbadora.

16.- A través de la salida de auriculares se puede tener una referencia de la calidad de la grabación sonora.

17.- En esta entrada se conecta un micrófono.

18.- A través de este sistema el operador de cámara puede intercomunicarse con todo el equipo de producción.

19.- Con la señal de barras se controla la calidad de la señal de cámara

20.- Con este botón se puede revisar la grabación efectuada

21.- POWER: en la posición ON la cámara se pone en funcionamiento, en OFF deja de funcionar.

3.3.- RECOMENDACIONES DE USO

1.- No exponer directamente el objetivo de la cámara a un foco de luz

2.- Mantener cerrada la tapa del objetivo cuando no se utilice.

3.- No introducir ningún elemento aparte de la cinta por la tapa de la videograbadora.

4.- Asegurarse de que la cámara esté fija en el trípode.

5.- Asegurarse el perfecto estado de las baterías. Cuando se termine de grabar, extraer la batería de la cámara.

6.- Antes de grabar cerciorarse de que el filtro es el indicado para hacer el balance de blancos.

7.- No exponer la cámara directamente al sol.

8.- Comprobar a través del visor que la cámara está grabando.

9.- No abusar del zoom automático, las baterías se consumirán antes de lo esperado.

PRINCIPIOS DE ENFOQUE

A.- INTRODUCCION

Cuando se enfoca un objeto o personaje se lo destaca, es decir, el enfoque ayuda a concentrar la atención. Pero además, la profundidad de la zona que se ha destacado nítidamente es variable, es lo que se denomina profundidad de campo.

4.1.- PRINCIPIOS DE ENFOQUE

El objetivo de la cámara sólo puede enfocarse de forma precisa con relación a una distancia concreta en un momento dado. A medida que se mueve el objeto enfocado o la cámara, se debe ajustar el enfoque nuevamente.

Si, por ejemplo, se enfoca una flor y se resalta nítidamente los estambres pero se deja desenfocado otras partes de la flor, a esto se le llama enfoque diferencial. De forma alternativa se puede ajustar el objetivo de modo que todas las partes que abarca queden enfocadas desde la primera rama, pasando por la flor en cuestión y finalmente el horizonte (esta técnica se denomina enfoque profundo.

4.2.- DEFINICIÓN DE PROFUNDIDAD DE CAMPO

Si se enfoca la cámara sobre un sujeto, los objetos situados a una distancia más próxima y más alejada respectivamente, todavía aparecen definidos con la mayor precisión. Esta zona de reproducción nítida se conoce como profundidad de campo. Una vez superados estos límites la definición del sujeto decae apreciablemente.

4.3.- FACTORES QUE AFECTAN LA PROFUNDIDAD DE CAMPO

La profundidad de campo presente en una imagen viene afectada por la abertura del objetivo, la distancia enfocada y la longitud focal del objetivo.

Conforme se cierra la abertura del diafragma se obtiene una mayor profundidad de campo.

En la medida que se mantenga el enfoque sobre un sujeto más próximo a la cámara, la profundidad de campo adopta una magnitud correspondientemente inferior.

A medida que aumenta la longitud focal del objetivo (reduciendo su ángulo de visión) la dimensión de la imagen aumenta, pero la profundidad de campo relativa disminuye.

ANGULACIÓN, PERSPECTIVA Y DISTORSIÓN

A.- INTRODUCCIÓN

Todas las imágenes televisivas poseen una forma rectangular normalizada. Cada toma muestra una parte del escenario ante la cámara, en cuatro tercios (la proporción del ángulo horizontal y el vertical).

Se puede utilizar un objetivo con una angulación fija, pero si se quiere efectuar tomas más cercanas del sujeto se debería acercar la cámara, lo cual crea una serie de inconvenientes, por ejemplo en la realización de un programa.

Para evitar esto, se utilizan objetivos con diferentes angulaciones o un sólo objetivo que sea capaz de adaptarse a las diferentes angulaciones: son los llamados objetivos de distancia focal variable o zoom.

5.1.- TIPOS DE OBJETIVOS

5.1.1.- EL OBJETIVO NORMAL

Un objetivo normal es simplemente el que tiene una angulación normal, es decir, aproximada a la del espectador que observa la pantalla del receptor. Suele oscilar entre los 35 mm y 50 mm de distancia focal. Tienden a ser excesivamente sensibles a las tomas realizadas manualmente sin apoyar la cámara, ya que se producen vibraciones en la imagen y velocidades de desplazamiento inesperadas con demasiada frecuencia.

5.1.2.- EL TELEOBJETIVO

Abarca un segmento restringido de la escena y con el mismo llena toda la pantalla. Pero debido a esta ampliación de la imagen, las cámaras que emplean teleobjetivos no son de fácil manejo. Conforme aumenta la distancia focal disminuye la profundidad de campo, por lo tanto, es muy difícil mantener enfocado a un sujeto en movimiento con un teleobjetivo. Otro inconveniente es la extremada sensibilidad, un ligero movimiento de cámara se traducirá en un considerable desplazamiento en la imagen.

5.1.3.- EL GRAN ANGULAR

Estos objetivos son de distancias focales muy cortas (28 mm, son en principio, objetivos de mayor operatividad. La superior profundidad de campo facilita el enfoque. Los sujetos en movimiento son mucho menos susceptibles a vibraciones.

5.2.- PERSPECTIVA Y DISTORSIÓN

A medida que la angulación del objetivo se hace más pequeña, la perspectiva visual se hace más "plana", la distancia y la profundidad se comprimen. Los objetos distantes tienen una apariencia desproporcionadamente grande. Si la angulación se hace más amplia (menor distancia focal) el efecto es de una exagerada profundidad. Los sujetos distantes tienen una apariencia más pequeña de lo normal.

Efectos: puede interesar conseguir un efecto de compresión o de apelotonamiento: agrupar sujetos distantes y próximos, reducir la impresión de profundidad, etc. para ello se utiliza el teleobjetivo.

Para exagerar la profundidad de una habitación, las distancias entre los objetos, dar sensación de amplitud, se puede utilizar el objetivo gran angular.

5.3.- OBJETIVO ZOOM. POSIBILIDADES. INCONVENIENTES

La mayoría de las cámaras vienen provistas de un objetivo de distancia focal variable o zoom.

El objetivo zoom es un complejo sistema óptico que suministra un ángulo de visión continuamente variable.

En un extremo el zoom se comporta como teleobjetivo y en el otro como gran angular. Pero entre estos dos, el objetivo puede pararse en cualquier angulación intermedia.

Cuando se cambia de gran angular a angulaciones progresivamente más estrechas, lo que se hace es agrandar una porción pequeña de la imagen. Un dilema corriente que se presenta con el objetivo zoom es el de mantener un enfoque nítido. Para ello se enfoca el punto más lejano que se quiere tomar, se vuelve hacia atrás con el zoom y se dispondrá de este enfoque desde gran angular hasta tele, pero sólo se dispondrá de este enfoque cuando la cámara se mantenga en la misma posición.

No hay que confundir el travelling con el zoom. El zoom ofrece una falsa perspectiva creando una sensación de aplastamiento, por contra el travelling que produce ilusión de profundidad y volumen.

COMPOSICIÓN DE LA IMAGEN

A.- INTRODUCCIÓN

La pantalla de televisión, de la misma forma que el fotograma o los bordes de cualquier imagen, aísla parte del escenario ante la cámara y concentra la atención. Un buen operador de cámara debe tener esto siempre presente.

Al componer tomas de personas rápidamente, hay que ser conscientes del "margen espacial", esto es, el espacio comprendido entre la cabeza del sujeto y el borde superior de la pantalla.

¿Por qué un plano bien compuesto?. La respuesta está en que una vez encuadrada una escena, la disposición de los objetos adquiere una importancia fundamental. Siempre existe un punto de interés en cada imagen.

B.- ELEMENTOS VISUALES DE UNA ESCENA

MASA: En televisión, los detalles no se aprecian ni en los planos generales ni en los primeros planos. Sin embargo los elementos deben crear un orden, con el objetivo de crear una imagen atractiva y equilibrada; así mismo el centro de interés debe aparecer bien definido, si se encuadran actores y objetos de forma simétrica, la imagen resulta rara vez satisfactoria. El efecto es demasiado formal.

El centro geométrico de la imagen no es necesariamente el mejor lugar para situar el centro de interés. Sin embargo, si se divide la imagen en tercios en sentido horizontal y vertical, los puntos de intersección de estas líneas serán las zonas más apropiadas para situar los puntos de interés.

MOVIMIENTO: El movimiento que se desarrolla en una escena está en relación directa con el tema de la línea, por lo que se refiere a la composición. El medio más dramático de llamar la atención sobre cualquier objeto es, aparte del sonido, el movimiento dentro de la escena.

Existen dos formas de realzar el movimiento en la escena: Contrastar el movimiento y Destacar el objeto principal sobre los demás.

TONO: En las imágenes monocromáticas los diversos colores de una escena se reproducen en gamas tonales de un mismo color gris, desde el blanco hasta el negro. La disposición en la imagen de tales tonalidades forma parte de la composición.

El centro de interés debe situarse en la zona más clara de la imagen. Evitar que se produzcan zonas más luminosas en los vértices del encuadre. Si se concentran los tonos más oscuros en el extremo inferior, el objeto principal destacará con más naturalidad.

PROFUNDIDAD: La sensación de volumen, espacio y profundidad se alcanzan disponiendo los elementos de una escena de tal forma que proporcione mayor longitud espacial a una imagen de dos dimensiones.

El operador de cámara deberá estar familiarizado con estos aspectos básicos de la perspectiva, también de la posición y altura de la cámara y el objetivo a emplear para cada plano.

TÉCNICA DEL ENCUADRE

A.- INTRODUCCIÓN

Lo que unos llaman primer plano, otros lo denominan plano medio o corto. Tales divergencias no son esenciales aunque lo parezca, ya que el producto resultante es siempre el mismo. Existen una escala de planos estandarizada y aceptada que es preciso conocer y dominar.

1.- ENCUADRE DE PERSONAS: La mayoría de las tomas que un operador de cámara debe hacer incluyen personas, por lo tanto, el operador de cámara debe tener en cuenta el encuadre correcto del actor, incluyendo las limitaciones técnicas y operativas.

2.- SITUACIÓN DE LOS OJOS: Los ojos son rasgos esenciales en el ser humano. Al margen de que deben mantenerse siempre enfocados, su posición en el encuadre está directamente relacionada con el margen de espacio superior permitido. Nunca se debe encuadrar los ojos en la mitad de la imagen, tampoco más altos que la línea de los dos tercios de altura del encuadre.

Normalmente los ojos deben aparecer dentro de los límites de esta franja en todo tipo de plano, incluidos los largos.

Puede decirse que existe una excepción, en el caso de los planos generales, aunque en realidad, en el momento que se vean los pies de un personaje, los ojos en el encuadre dejan de ser importantes.

(G.P.P.) Gran Primer Plano. Se emplea cuando los rasgos o la expresión del objeto son importantes desde el punto de vista dramático y se desea mantener la atención del espectador sobre ellos exclusivamente. En este plano se excluye la parte superior de la cabeza. Para que se aprecie el efecto del G.P.P. el espectador debe ver el rasgo de la boca.

(P.P.) Primer Plano. Es en el que la parte superior de la cabeza queda muy próximo al límite superior del encuadre, y la parte inferior del encuadre esta aproximadamente a la altura del cuello del actor. Evita que el límite inferior del encuadre suprima parte del cuello. La cabeza debe tener un punto de apoyo.

(P.M.C.) Plano Medio Corto. Con los ojos situados en la franja imaginaria, el margen de espacio superior es algo mayor que la toma anterior. Como referencia la línea inferior del encuadre pasará por debajo del bolsillo del pecho del actor.

(P.M.) Plano Medio. En este plano el extremo inferior del encuadre corta al actor puesto de pie aproximadamente a la altura de la cintura, y si está sentado, a la altura de los brazos de una silla de tamaño normal. Este plano es muy utilizado en televisión y sobre todo en entrevistas.

(P.M.L.) Plano Medio Largo. A veces recibe la denominación de "plano tres cuartos". La parte inferior del encuadre cruza aproximadamente a la altura de las rodillas del actor.

(P.G.) Plano General. En este plano se incluye todo el cuerpo del actor. El margen superior debe ser mayor que el inferior, puesto que si son iguales da la impresión de estar suspendido en el aire. Si se concede mayor margen inferior resulta desequilibrado. Hay excepciones como por ejemplo un actor subido sobre un objeto, etc.

(P.G.L.) Plano General Largo. En este plano la posición del actor en relación con el encuadre depende en gran medida de los restantes elementos de la escena y de la altura de la cámara. Estos planos brindan la oportunidad de poner en práctica los principios básicos de composición. Cuanto más general mayor número de elementos de la escena engloban.

Plano de dos personas. El plano más vulgar es el que encuadra a dos actores que están hombro a hombro y de frente a la cámara. Pero esto ocurre raras veces, lo normal es que se miren uno al otro. Si en lugar de situarse frontalmente los actores, se los coloca ligeramente ladeados, dando preferencia a uno de ellos, se obtendrá una mejor composición. Si en un principio se ha dado preferencia al actor A, en el siguiente plano, cuando intervenga el actor B, se tomará el rostro de este y el hombro de A. Cuando dos cámaras realizan, simultáneamente, tomas de dos, por encima del hombro, es imprescindible que los planos obtenidos sean idénticos, y desde el mismo ángulo. También se debe tener presente las normas relativas a la triangulación o intersección de tercios, y evitar las composiciones simétricas.

Espacio de referencia.

Se denomina espacio de referencia al margen de espacio entre los ojos del actor y el extremo del encuadre hacia el que dirige la mirada el actor.

Es difícil hacer una medida válida para todos. Pero en general se puede decir que cuando la línea central del encuadre corre a través de la nariz del actor y cerca del ojo, garantizará un buen resultado.

MOVIMIENTOS DE CÁMARA

MOVIMIENTOS DE ROTACIÓN

Son los producidos al rotar la cámara sobre el eje vertical donde se sustenta. Estos movimientos pueden ser:

A.- Rotación horizontal o panorámica.

B.- Rotación vertical o basculamiento.

C.- Rotación en diagonal

D.- Movimiento de balanceo.

 A.- Panorámica: Se puede comparar con la impresión de mirar alrededor; da una visión espacial con diferentes ángulos. Desde el punto de vista narrativo, la panorámica puede ser: de seguimiento (seguir a un sujeto que se mueve en la escena), dramática (presentación de los diferentes elementos de la acción), subjetiva (el movimiento panorámico corresponde al punto de vista del personaje).

Este movimiento debe realizarse suavemente, sin movimientos bruscos, empezando y acabando en un plano fijo. Existe un tipo de panorámica brusca que borra toda la imagen intermedia y que se denomina barrido.

 B.- Basculamiento: Es un movimiento en el plano vertical, se utiliza para relacionar dos áreas separadas en este plano, también para acentuar alturas. Otra utilización del basculamiento es la de describir a un personaje produciendo gradualmente un efecto de intriga.

MOVIMIENTOS DE TRASLACIÓN

Son los producidos por la misma cámara al moverse al desplazarse su eje.

 A.- Travelling: Es un movimiento de desplazamiento, en avance, en retroceso, lateral, circular, etc, dirigido hacia un objeto o personaje. Este tipo de movimientos producen un resultado expresivo importante, aumentan la sensación de profundidad y volumen de la escena.

RODAJE DE UN DIALOGO

Un diálogo plantea el problema del cruce de ejes en su forma más sencilla, por lo que es una buena ilustración de los problemas que plantearán situaciones similares como por ejemplo en la entrevista.

Un diálogo puede rodarse desde una sola posición o desde varias. Puede diferenciarse en el rodaje del diálogo algunos planos importantes:

- Plano Master: el plano de los dos personajes del cual se parte y al que se recurre, porque es el que da una visión completa de la acción.

- Plano/Contraplano: planos que se intercalan según intervenga uno u otro personaje en el diálogo.

- Plano Subjetivo: plano invertido. Cuando habla el personaje A, la cámara se sitúa desde el punto de vista del personaje B (la cámara es el personaje B).

 Aspectos importantes que se deben tener en cuenta:

- Continuidad en el eje de miradas: Al filmar un diálogo, las posiciones de los participantes deben estar bien claras para el espectador.

- Manipulación de la imagen: dependiendo de la angulación que se encarga para cada uno de los personajes. El tamaño diferencial de los planos determinará la interpretación de la escena por parte de la audiencia.

- Conversaciones telefónicas: la forma de rodar una escena en la que dos personajes hablan por teléfono, es filmar a cada uno de ellos por separado. Para crear la ilusión de que una persona habla a la otra.

CREACIÓN DE UNA SECUENCIA

Cualquier película cuenta una historia. Sea cual sea el tratamiento que se le dé. Las tomas que componen la película se montan en una secuencia fija, y una secuencia es algo que el espectador interpretará como una narración. Si se considera a los planos básicos (primer plano, plano medio, etc.) como el vocabulario, se puede afirmar que el hecho de unirlos creando una historia coherente es la gramática.

 Rodaje de una narración sencilla.

Se ruede lo que se ruede, el trabajo será siempre el mismo, grabar los diferentes planos que posteriormente puedan editarse (vídeo) en una secuencia de acción ininterrumpida.

Puntos que se deben tener en cuenta:

El tamaño de los sujetos, su posición en el cuadro, la dirección del eje de mirada y de sus movimientos y la continuidad de la acción.

Tamaño de los planos

Si se comienza con una secuencia, por ejemplo en plano general, y se pasa a otro plano, es crucial que la diferencia de tamaños entre ellos sea la adecuada, ya que en caso contrario sería poco claro o confuso. Lo normal es utilizar un plano medio entre uno general y un primer plano.

Posición en el cuadro

Al cortar de un plano a otro el sujeto debe ocupar en el cuadro la misma posición. Si está a la izquierda en el plano general, deberá ocupar el mismo lugar en el plano medio.

La dirección de un eje de mirada y de su movimiento

Uno de los mayores problemas de la realización audiovisual, es el mantenimiento de una geografía clara mientras se cambia la posición de la cámara entre dos planos. Es muy fácil yuxtaponer dos tomas en las que la misma persona parece mirar o moverse en direcciones contrarias. Para evitar esto se ha establecido una conversión conocida como eje: una línea imaginaria formada en parte por la de la mirada, en parte por la dirección del movimiento y en parte por la línea de interés que se establece entre dos o más sujetos. Dicho eje nunca se lo debe saltar entre dos planos consecutivos.

Salto de eje.

Sería agobiante que una vez elegido el eje se tuviera que seguir hasta el final.

Formas de saltar el eje:

1.- Por el eje: Si la cámara se sitúa exactamente en el eje el plano tomado desde éste sirve como transición entre los tomados a cada uno de los lados.

2.- Aprovechamiento de un giro: si el sujeto cambia de dirección, también el eje. Si se sitúa la cámara desde un punto donde se vea claramente el cambio de dirección, el nuevo eje quedará perfectamente establecido.

3.- Travelling sobre el eje: la cámara se desplaza a lo largo del eje mientras el sujeto se acerca, estableciendo claramente el cambio de dirección en un sólo plano.

4.- Utilización de un elemento intermedio: si se desea cambiar de eje en una secuencia que, en donde por ejemplo, un personaje está entrando en una casa, se puede utilizar un elemento de transición (pomo de la puerta) para cambiar de eje.

 Continuidad en la acción.

La regla básica de la continuidad es que la acción de un plano debe enlazar con la del siguiente. Por ejemplo, si se corta de un plano general de un personaje corriendo, a un plano medio tomado desde una posición diferente, es preciso que se vea al personaje correr por el mismo camino, en la misma dirección, a la misma velocidad, llevando la misma ropa y con la misma iluminación. En caso contrario el espectador se verá confundido y la continuidad se habrá roto.

 Continuidad en sonido e imagen.

La continuidad visual depende ante todo de una calidad constante de luz. Pero cuando se rueda en exteriores son inevitables las variaciones de luz (temperatura de color). Igualmente ocurre con el audio, es necesario mantener un nivel fijo para que el volumen sonoro sea el mismo en toda la secuencia.

Fallos más comunes de montaje.

1.- Salto de eje en la dirección: en el primer plano aparece un personaje que camina de derecha a izquierda y el segundo de izquierda a derecha, esto es, ha cambiado inexplicablemente la dirección.

2.- Doble acción: cuando se montan planos de la misma acción rodada desde diferentes ángulos de cámara.

3.- Cambio de ángulo: cualquier cambio en el ángulo de la cámara debe ser lo suficientemente grande como para que se note, pero no tanto que desconcierte al espectador.

4.- Eje de miradas incompatible: por ejemplo cuando se esta rodando una conversación, al cortar a primeros planos hay que asegurar que cada personaje mira en la dirección correcta.

5.- Planos de recurso incorrectos: un plano recurso debe estar directamente relacionado con la acción. Con frecuencia se utiliza para disimular fallos de continuidad.

6.- Continuidad: los fallos de continuidad son probablemente los errores más frecuentes. Hay que tener en cuenta que cuando se unen dos planos, deben mantenerse la continuidad no sólo de aspecto (vestido, color, tiempo, etc.) sino también de acción, ritmo y sonido.

LA EDICIÓN

A. INTRODUCCIÓN.

El montaje en cine se realiza por corte físico de la propia película (puede ser visto lo que ha quedado impreso en el fotograma), en vídeo, el montaje de la imagen registrada magnéticamente se produce con otros condicionantes por medio de un proceso denominado EDICIÓN.

1. EDICIÓN ELECTRÓNICA.

Un equipo de edición básico requiere la utilización de dos videograbadoras: uno que asuma la tarea de reproducir las tomas grabadas, y otro que grabe estas tomas según la ordenación que se plantean.

Para un trabajo bien preciso es necesaria la utilización de un elemento que actúe sobre los sistemas mecánicos y operacionales de las videograbadoras: la consola de control.

Las tareas básicas de esta consola de control se pueden resumir en: localización del punto exacto donde empieza y acaba el plano que se quiere montar (videograbadora reproductor), localización del punto en el que se quiere que comience a grabar ese plano (videograbadora grabador). Las dos videograbadoras deben estár sincronizadas para que cuando llegue el punto exacto de grabación comience a editar.

2.- TIPOS DE EDICIÓN.

Dentro de la edición electrónica existen dos variantes fundamentales:

1. Asemble

2. Inserto

Estas dos variantes de edición son radicalmente distintos.

1.- Asemble: Se unen diferentes fragmentos de una o varias cintas para constituir una sola cinta común. Por ejemplo, si se quiere realizar un documental sobre la ciudad Autónoma de Buenos Aires se pueden plantear las siguientes tomas:

- ciudad

- Avenida Corrientes con el Obelisco

- entrevista con el Jefe de Gobierno

Entonces puede plantearse de la siguiente forma: primero la ciudad, segundo la entrevista y tercero las imágenes de la actividad en la Avenida Corrientes y el Obelisco.

En esta modalidad se graba audio y vídeo automáticamente, no se puede separar.

2.- Inserto: se intercala sobre una cinta, previamente ya grabada, material tanto en audio como en vídeo. Por ejemplo, en el caso anterior, se podría ofrecer un plano de la entrevista e insertar dentro de ella planos de la ciudad y de la Avenida, manteniendo el audio de la entrevista.

TRANSICIONES

A. INTRODUCCIÓN.

Al igual que en la literatura se utilizan los signos de puntuación, en el lenguaje visual también. Es el medio para pasar de un plano a otro, o de una secuencia a otra. Sería muy difícil crear una narración visual sin estos signos. La mayor parte de las transiciones proceden de formas teatrales, puesto que en un principio el cine imitó la técnica del teatro.

Cortinilla: el telón del teatro.

Fundido: apagar las luces.

1. EL CORTE.

El corte es la transición más simple. Es dinámico y asocia instantáneamente dos situaciones. El cambio rápido tiene impacto de potencia en el espectador, mayor que el gradual y aquí radica la fuerza expresiva del corte.

El corte, como todo tratamiento de realización, deberá estar motivado. Los que no lo están, interrumpen la continuidad y pueden crear falsas relaciones entre planos. Los cortes son saltos del punto de vista del lugar, que obligan al espectador a relocalizar o interpretar cada imagen.

El momento apropiado para realizar un corte es cuando se produce una acción o reacción. Por ejemplo cuando un personaje vuelve la cabeza en una expresión de asombro, o cuando el sujeto inicia la acción de levantarse, etc.

2. EL FUNDIDO

Se puede diferenciar dos tipos de fundidos: el de entrada/salida, el de salida/entrada.

El fundido de entrada o apertura, da una introducción tranquila a la acción. Un fundido de entrada lento sugiere la formación de una idea. Uno rápido, un poco menos de vitalidad e impacto en el corte.

El fundido de salida o cierre, tiene menos énfasis y "suspensa" que el corte de salida. Un fundido de salida es un cese de la acción tranquilo.

El fundido de salida/entrada se realiza cuando se enlazan dos secuencias introduciendo el concepto de pausa en el paso de la acción. Se puede usar esta transición para conectar secuencias cuando se implique un cambio de tiempo o lugar. Entre dos escenas en movimiento rápido, puede servir como pausa momentánea, enfatizando la actividad del segundo plano.

3. EL ENCADENADO.

El encadenado se produce al atenuar una imagen mezclándola a su vez con otra imagen que entra. Las dos imágenes permanecen momentáneamente superpuestas, la primera desaparece gradualmente a la vez que es reemplazada por la segunda.

El encadenado entre planos da una transición suave con un mínimo de ruptura del fluir visual.

Un encadenado rápido, generalmente, implica que su acción es concurrente (acciones paralelas). Un encadenado lento sugiere diferencias de tiempo o lugar. Los encadenados en movimiento sólo son satisfactorios cuando las direcciones del movimiento relativo son similares. Las mezclas de direcciones opuestas pueden producir sensación de confusión.

4. LA CORTINILLA.

La cortinilla es un efecto visual, principalmente utilizado para transiciones decorativas. Su impacto visual tiende a disfrazar los bordes de fragmentos no relacionados.

El efecto de la cortinilla es descubrir, revelar, cancelar, fragmentar, etc, según se aplique. En todas sus formas resalta la naturaleza plana de la pantalla, destruyendo cualquier sensación tridimensional.

5. LA SUPERPOSICIÓN.

En cinematografía, la superposición necesita exponer cada cuadro dos o más veces en la cámara (doble exposición), aunque, comúnmente, esto se consigue en el laboratorio.

En vídeo, la superposición, simplemente, consiste en fundir dos o más imágenes simultáneamente.

Debido a que el brillo de las imágenes superpuestas se suma, las áreas luminosas de cualquier imagen, generalmente, rompen a través de los tonos oscuros de la otra imagen superpuesta.

ILUMINACIÓN

A. INTRODUCCIÓN.

De nada sirve un buen decorado, una buena cámara o un gran guión, si no se parte de una iluminación artística y cuando menos adecuada.

Se debe comprender que para obtener un buen resultado en una grabación es necesario controlar la iluminación.

Cualesquiera que sean los sujetos, la iluminación, generalmente, obedece a propósitos similares. Se tiene que resaltar las características que sean apropiadas a las necesidades y quizás suprimir otras. En términos generales, se ilumina para incrementar la visibilidad, la claridad o los efectos creativos.

1. OBJETIVOS DE LA ILUMINACIÓN.

El primer objetivo de la iluminación es el de la visibilidad, pero la visibilidad por sí sola no es suficiente, las imágenes deben persuadir y mantener la atención. Otro objetivo importante es el de la claridad. El detalle en la imagen de vídeo está limitado. Por eso se tiene que añadir ilusión para acercar al espectador al mundo real tridimensional y de color.

Por último, la iluminación debe ser efectiva. Una iluminación inapropiada puede evitar que el espectador vea la información que se desea que vea.

2. FACTORES QUE AFECTAN A LA ILUMINACIÓN.

El ojo y el cerebro se ajustan de forma que el sujeto no se de cuenta de los cambios de luz. La cámara, sin embargo, no repara en estas adaptaciones, sino que graba parcialmente la imagen. Por ello, si la iluminación tiene ciertas características, la cámara tiende a revelarlas.

Aspectos fundamentales de la iluminación:

- La calidad de la luz recorre una escala desde dura a suave. La luz dura es muy direccional y genera sombras bien definidas (luz del sol). Las fuentes de luz suave tienen un carácter difuminado, sin sombras.

- La dirección de la luz es muy importante, porque en último término determina cómo se modelan el sujeto y la escena, y por consiguiente, lo que se ve desde un ángulo de visión determinado de la cámara.

- La temperatura de color o "calidad de color" referido a la iluminación es crítica en vídeo, varía mucho según el tipo de fuente de luz.

- La influencia de la luz. Eligiendo un tipo de iluminación puede mostrar la textura, resaltarla o suprimirla. La impresión de las formas, las relaciones espaciales, los tamaños, se modifican según el tratamiento de la luz.

3. TIPOS DE PROYECTORES.

Fuentes de luz suave:

Estas unidades producen una iluminación difusa, sin sombras. Se suele utilizar para proporcionar la luz base general, para luz de relleno y para aplicaciones donde no interesan sombras. Las unidades típicas son: scoops, broads y minibrutos.

Fuentes de luz concentrada:

Estas unidades de luz producen sombras duras y bien definidas, crean el modelado y revelan la textura. Si este haz luminoso se lo concentra mediante un sistema de lentes regulables, se denomina proyector de lente Fresnel.

4. DISPOSICIÓN DE LA LUZ.

Dependiendo del emplazamiento de las fuentes luminosas se obtendrá un resultado u otro. Existen tres direcciones básicas:

- Luz frontal: normalmente, constituye la fuente de luz más importante

- Luz lateral: generalmente realza el contorno y la textura, añadiéndoles un fuerte relieve.

- contraluz: pone margen a los bordes y a la parte superior de los sujetos; genera brillos a través de las superficies transparentes o traslúcidas.